Nato nel 1965 a Milano. Vive e lavora a New York, USA.
BIO
1991-93
MA, Royal College of Art , London, UK.
1988
H.D.K., Berlin, Germania.
1985-89
BA, Slade School, U.C.L. London, UK.
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Nato nel 1965 a Milano. Vive e lavora a New York, USA.
1991-93
MA, Royal College of Art , London, UK.
1988
H.D.K., Berlin, Germania.
1985-89
BA, Slade School, U.C.L. London, UK.
Nasce a San Lorenzo del Vallo ( Cosenza ) nel 1947. Vive e lavora a Parigi dal 1981.
MOSTRE PERSONALI
1965
Roma, Libreria Feltrinelli
1966
Modena, Galleria Alpha
1967
Roma, Galleria Arco d'Alibert
1968
Bari, Galleria Il Sagittario
1969
Rieti, Teatro Comunale;
Firenze, Galleria Flori
1970
Roma, Galleria Qui arte contemporanea
1972
Roma, Galleria Primo Piano;
Milano, Galleria Morone 6
1974
Verona, Galleria Ferrari;
Livorno, Galleria Peccolo;
Roma, Galleria Seconda Scala;
Roma, Studio Condotti 85
1975
Udine, Galleria Plurima;
Roma, Galleria Arco d'Alibert
1976
Colonia, Galleria Peccolo;
Anversa, I.C.C.
1977
Napoli, Galleria Lia Rumma;
Roma, Galleria Primo Piano
1978
Colonia, Galerie Peccolo;
Milano, Studio Marconi;
Milano, Galleria Wirz;
Madrid, Galleria Buades
1979
Udine, Galleria Plurima;
Parigi, Galerie Palluel-Svennung;
Parigi, Galerie Chantal Crousel;
Bolzano, Galleria Il Sole;
Varese, Galleria Bluart
1980
Livorno, Galleria Peccolo;
Parigi, Galerie Chantal Crousel
1982
Milano, Mercato del Sale (con Pardi)
1983
Livorno, Galleria Peccolo;
Trieste, Studio Bassanese;
Udine, Galleria Plurima
1985
Udine, Galleria Plurima;
Roma, Galleria Arco d'Alibert; Roma, Galleria A.A.M.
1986
Livorno, Galleria Peccolo
1987
New York, Rosenberg Gallery (con S. Rosenthal)
1988
Udine, Galleria Plurima
1989
Milano, Galleria Turchetto/Plurima
- Roma, Galleria Arco d’Alibert
- Livorno, Galleria Peccolo;
Bolzano, Galleria Il Sole;
Bologna, Galleria Spazia;
Zurigo, Galerie Brandstetter & Wyss
1990
Verona, Galleria Ponte Pietra
1991
Livorno, Galleria Peccolo;
Milano, Galleria Turchetto/Plurima
1992
Udine, Galleria Plurima
1994
New York, Lennon Weinberg Gallery;
Bergamo, Galleria Fumagalli
1995
New York, Garner Tullis Workshop
1998
New York, Lennon Weinberg Gallery
2001
Munich, Galerie Rupert Walser
2004
Koln, Galerie S 65
Milano, Grossetti Arte Contemporanea
PRINCIPALI MOSTRE COLLETTIVE
1981
Centre Georges Pompidou - Museo d'Arte Moderna, Parigi:
"Autoportraits photografiques".
1983
FIAC - Galleria Texbraun - Fiera Internazionale d'Arte Contemporanea Parigi.
Collettiva al Centre Gerges Pompidou - Museo d'Arte Moderna Parigi:
"Les nouvelles acquisitions de la Bibliothèque Nationale et du Musee National d'art Modern".
1985
Centre Gerges Pompidou - Musèe d'Art Moderne " Photographies contemporaines en France " Musèe cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, Suisse
1989
L'objet commence á disparaître et la lumière devient le sujet même de la photographie. Exposition à Frankfort " Frauen sehen Männer ". L'objet rèapparaît, c'est la sèrie " Ligne-portraits ".
1992
Exposition à Tokyo : Metropolitan Musèum of Photography " Photographie Française : la dècennie crèative, I980-I990 ".
2004
Exposition " Eblouissemenf " au Musèe du jeu de Paume du 23 juin au 12 septembre 2004, Paris
Nasce a San Lorenzo del Vallo ( Cosenza ) nel 1947. Vive e lavora a Parigi dal 1981.
Nato nel 1967 a Vicenza, Italia.
Arcangelo Sassolino (1967) vive e lavora a Vicenza. Prima di frequentare la “School of Visual Art”di New York (1990-1995) ha lavorato alla Casio a New York (1992-95). Come artista continua a lavorare con materiali industriali come il cemento e l'acciaio con i quali realizza sculture e progetti architettonici.
Nasce a Todi ( Perugia ) nel 1976, dove vive e lavora.
2008
Vibrante materia, Galleria Fioretto, Padova
Museo della Musica, Premio Art First, a cura di Grossetti Arte Contemporanea e Arte Fiera, Bologna
2007
INcontro sensibilMENTE, Daniele Nitti Sotres Antonella Zazzera, doppia personale, a cura di Bruno Grossetti, Grossetti Arte Contemporanea, Milano
2006
Giuseppe Spagnulo - Antonella Zazzera, doppia personale, a cura di Floriano de Santi, Galleria G+G, Pesaro
Rhythmical, a cura di Mario Beredic per l’Istituto Italiano di Cultura, Galerije Media Nox, Maribor (Slovenia)
2005
Armonie Private, a cura di Massimo Mattioli, Galleria Miralli, Viterbo
E io che me la portai al fiume…, a cura di Giorgio Bonomi, Galleria En Plein Air, Circuito Musei Civici, Pinerolo (To)
2009
ArtVerona, Galleria Grossetti Arte Contemporanea, Verona
Selection 2009, a cura di Bruno Grossetti, Grossetti Arte Contemporanea, Milano
ArtCologne, Galleria Grossetti Arte Contemporanea, Colonia (Köln)
Focus, a cura di Bruno Grossetti, Grossetti Arte Contemporanea, Milano
ArteFiera Bologna 2009, Galleria Grossetti Arte Contemporanea, Bologna
2008
Atelier Aperti 2008, a cura di Peter Nottebaum, Castel Giorgio (Tr)
Migrazioni d'Arte Contemporanea, a cura di Sonia Zampini, Rain Gallery 798 Art District, Pechino (Cina)
Choice, a cura di Bruno Grossetti, Grossetti Arte Contemporanea, Milano
Miart, Grossetti Arte Contemporanea, Milano
Artists for Africa, a cura di Achille Bonito Oliva e Giovanni Carandente, Palazzo Firenze, Roma
Arte Fiera Bologna, Galleria Grossetti, Bologna
Arte Fiera Bergamo, Galleria Fioretto, Bergamo
2007
32 Sentieri, Galleria Extra Moenia, Todi (Pg)
Unalineacontinua, a cura di Bruno Grossetti, Grossetti Arte Contemporanea, Milano
Kaunas Art Biennial Textile 07, a cura di Arte&Arte, Mykolas Zilinskas Art Gallery, Kaunas (Lithuania)
Arte Padova, stand Galleria Fioretto, Padova
Art Verona, stand Galleria Fioretto, Verona
Open, 10. International Exhibition of Sculptures and Installations, a cura di Paolo De Grandis, Achille Bonito Oliva, Alanna Heiss e Chang Tsong-Zung, Venezia Lido
Terra di Maestri, a cura di Giorgio Bonomi, Antonio Carlo Ponti, Paolo Nardon. Presentazione di Vittorio Sgarbi. Villa Fidelia, Spello (Pg)
Suitcase, a cura di Daniele di Lodovico, Pascal Karp Galerie, Bruxelles (Belgium)
Suitcase, a cura di Daniele di Lodovico, Italian Institute of Culture, Koln (Germany)
Vado fuori all’aperto, a cura di Carmengloria Morales con Federico Sardella, Parco Hortus Unicorni, Vetriolo (Vt)
Miniartextil, a cura di Luciano Caramel e dell’Associazione Arte&Arte, Théatre de Montrouge, Montrouge, Paris (Francia)
MiArt, Milano - stand Galleria Fioretto, Padova e stand Grossetti Arte Contemporanea, Milano
2006
Alberto Biasi - Grazia Varisco - Antonella Zazzera, Galleria Fioretto, Padova
Suitcase, a cura di Daniele di Lodovico, Kunsthallen Braenderigarden, Viborg, (Denmark)
XXIV Biennale di Scultura di Gubbio, a cura di Giorgio Bonomi, Palazzo Pretorio, Gubbio (Pg)
47 Pensieri…, a cura di Bruno Aller, Galleria Arte e Pensieri, Roma
Arte Padova, stand Galleria Fioretto, Padova
Textile Art a Venezia: Collezione Bortolaso Totaro, a cura di Luciano Caramel, Museo di Palazzo Mocenigo, Venezia
2006miniartextilcomo, a cura di Luciano Caramel, Chiesa di San Francesco, Como
Essenza, a cura di Pia Zeugin, Castello Vorder Bleichenberg, Biberist (Svizzera)
Arte: espressione di solidarietà, a cura della Fondazione Rita Levi Montalcini, Galleria d’Arte Palazzo dei Sette, Orvieto (Tr)
Clan Verdurin, Centro Culturale, San Pietro di Feletto (Tv)
Suitcase, a cura di Daniele di Lodovico, Kieleckie Centrum Cultury, Keilce (Polonia)
2005
Premio giovani - Scultura 2005, a cura di Nicola Carrino, Pietro Cascella, Tommaso Cascella, Leonardo Cremonini, Carlo Lorenzetti , Accademia Nazionale di San Luca, Roma
Spazi Aperti Spazi Segreti (installazione opera permanente), Albornoz Palace Hotel, Spoleto (Pg)
Suitcase, a cura di Daniele di Lodovico, Haifa (ISR); New York Public Library at the Art Section, New York (Usa)
Interferenze - Premio Termoli, 50° Mostra Nazionale d’Arte Contemporanea, a cura di Carlo Fabrizio Carli e Achille Pace, Galleria Civica d’Arte Contemporanea, Termoli
Arte & Cospirazione. Omaggio a Giuseppe Mazzini, a cura di Hannes Luterbacher e Graziano Marini, Kunsthaus Grenchen, Grenchen (Svizzera)
Collezione Museo della Transtoria, a cura di Michele Greco, Galleria Giulia, Roma
2004
All’Ombra di Bramante: sculture in un Parco, a cura di Giorgio Bonomi e Giuliana Dorazio, Hotel Bramante, Todi (Pg)
All’ombra di Bramante: foto, progetti, disegni, a cura di Giorgio Bonomi, Galleria Extra Moenia, Todi (Pg)
A tavola con l’Arte, a cura di Laura Belforti e Vittoria Biasi, Casaidea 2004, Roma
Arte/Scienza di Pace, a cura di Anna Cochetti e Adriano Di Giacomo, Muditac Majorana Arte Contemporanea, Roma
Liberolibrodartistalibero, a cura di Giorgio Bonomi, Anna Cochetti, Cecilia Metalli, Viviana Tessitore e Franco Troiani, Studio ’87 e Chiesa di S. Carlo, Spoleto (Pg)
2003
Ex, Centro Arti Visive Trebisonda, Perugia
Per Marguerite: variazione dai temi, a cura di Anna Cochetti, Biblioteca Multimediale Alberto Savinio, Roma
Viaggiatori sulla Flaminia - Stanza d’Artista (installazione opera permanente), a cura di Anna Cochetti e Emidio De Albentis, Franco Troiani, Albornoz Palace Hotel, Spoleto (Pg)
Memorie di Adriano nella Roma di Yourcenar, Sala della Protomoteca e Piazza del Campidoglio, Roma
Rifrazioni, a cura di Giorgio Bonomi, Centro Espositivo Rocca Paolina, Perugia
Arte Hotel (installazione opera permanente), a cura di Anna Cochetti, Emidio De Albentiis e Luigi Manciocco, Arte Hotel, Perugia
2002
1° Premio Pittura, Dop Art, a cura Graziano Marini, Piazza del Popolo, Todi (Pg)
2001
Padiglione Neri, ex Ospedale Psichiatrico, Perugia
2000
Festival dei due Mondi, Spoleto (Pg)
Limes, a cura di Lucilla Ragni e Gianni Sani, Corciano (Pg)
Il Perugino, a cura di Fabrizio Fabbri, Centro Espositivo Rocca Paolina, Perugia
1999
Faccia a Faccia, a cura di Lucilla Ragni e Gianni Sani, Corciano (Pg)
1998
Atelier, Perugia
Punti di vista, Palazzo Comunale, Corciano (Pg)
Genova, Perugia, Ravenna, Centro Espositivo Rocca Paolina, Perugia
La Fontana. Segni, Impronte, Immagini, a cura di Edgardo Abbozzo e Antonio Carlo Ponti, Centro Espositivo Rocca Paolina, Perugia
1997
Ri-Galgata ’97, a cura di Rolf Horstmann, Gianni Sani, Lucilla Ragni, Gubbio (Pg)
1996
Libro d’Artista, Biblioteca Nazionale Centrale, Roma - Biblioteca Augusta, Perugia - Ubik Art, Sacile
(Pn)
Nasce a Todi ( Perugia ) nel 1976, dove vive e lavora.
Compie i suoi studi all’Accademia di Belle Arti Pietro Vannucci di Perugia dove si diploma in Pittura nel 1999.
Sotto la guida dell’artista Mauro Salvi approfondisce lo studio dell’arte italiana ed il recupero dei suoi valori: Traccia, Luce, Spazio.
La sua ricerca artistica, che spazia dalla pittura alla fotografia alla scultura, si fonda sul “segnotraccia”, archetipo visivo e sensitivo che diviene identificazione totale con l’essere nel suo divenire. L’attuale lavoro si presenta come il risultato di un percorso che, partendo dall’indagine fotografica, l’ha portata ad indagare la centralità della Luce nella definizione dello Spazio e della Forma.
Nel 2005 vince il 1° Premio per la giovane Scultura Italiana istituito dall’Accademia Nazionale di San Luca a Roma, a cura di Nicola Carrino, Pietro Cascella, Angela Cipriani, Carlo Lorenzetti e Pia Vivarelli.
Nato a Dublino nel 1960.
1987
Schemata, Greg Hilty catalogue Riverside Studios, London, Aprii 1987.
Schemata, Stuart Morgan, catalogue Riverside Studios, London, Aprii 1987.
1987
Schemata, Stuart Morgan, Artforum, May 1987.
Schemata, Lynne Cooke, Artscribe, May 1987.
Tussenblik, Mathilde Roskam, catalogue Het Kruithuis, S'Hertogenbosch, June 1987.
1989
Seàn Shanahan, Rob Smolders, NCR Handlesblad, Sept. 1989.
1990
de cirkel en het vierkant, Eddy van der Meer, Alert, Dee. 1990.
Seàn Shanahan at thè Kerlin, Brian Fallon, Irish Times, Sept. 1990.
1992
Paintings by Seàn Shanahan, Caoimhin Mac Giolla Leith, catalogue,
Studio Carlo Grossetti, Nov. 1992.
1993
Seàn Shanahan at thè Kerlin, Brian Fallon, Irish Times, Aprii 1993.
Feste Italiana, Aidan Dunne, Sunday Tribune, Aprii 1993.
Seàn Shanahan, Diego Collovini, Titolo, Dee. 1993.
1994
Seàn Shanahan, Sabrìna Zannier, Flash Ari, Jan. 1994.
1995
Werk van Shanahan ontstijgt rigiditiet, Robbert Roos, Trouw, Feb. 1995.
A suite in three movements for Seàn Shanahan,
Mei Gooding, catalogue, Orchard/Kerlin, Aprii 1995.
Seàn Shanahan at thè Kerlin, Luke Clancy, Irish Times, Aprii 1995.
Seàn Shanahan, Marian Lovett, Circa, Summer edition.
Optical Consciousness, Willen Sanders, catalogue,
Stelling / Copyright Tutti, May 1995.
Optical Consciousness, Rutger Pontzen, Metropolis M, n°4.
1996
16Artistes Iralandais, catalogue, Declan Me Gonagle, L'immaginaìre
Irlandais, Ecole Nationale Superieure des BeauxArts, Aprii 1996.
From Nature, (Poetry) to (Multi-) Culture,
Caoimhin MacGiolla Leith catalogue, Immaginaire Irlandais.
Une Saison Irlandaise, Paul Ardenne, Art Press, June 1996.
1997
Residue, catalogue, John Hutchinson, Aug. 1997.
Residue, Brian Fallon, Irish Times, Aug. 1997.
Confessions of a Gallery Curator, Aiden Dunne, Sunday Tribune,
Aug.1997.
Modern Art in Ireland, Dorothy Walker, Lilliput press, p. 219
1998
Monochroom met bloedend vlak, Erik Hagort, de Volkskrant, 08 Aprii '98
Thè breath of space and thè pace oftime, Anne-Marie Bonnet,
Baukunst, catalogue, Aprii '98.
Anne Erfle talks to Seàn Shanahan about his recent work.
Baukunst, catalogue, Aprili 998.
l/l/enn Kùnstler die Bildflàche òffnen, Heidrum Wirth, Kóln Rundscau,
24 Aprii '98.
Einfache Geometrie: Baukunst zeigt Shanahan, E.Roos,
Kólner Stadt Anzeiger, 15 May '98.
Summer Group Show, Sunday Times, 02 Aug. 1998. Marian Lovett.
L'abstraction & ses territoires, Philippe Cyroulnik, Sept. 1998, p.102/3.
Anne Erfle parla con Seàn Shanahan del suo lavoro, Grossetti Arte
Contemporanea, October 1998.
Nata a Mainz, in Germania. Vive e lavora a Nieder-Olm.
Metamorfosi dello spazio
“Mi interessano gli spazi che agiscano su di me e reagiscano direttamente alla carta; spazi che posso modificare”.
Così Angela Glajcar definisce, sinteticamente, un aspetto fondamentale della sua ricerca artistica.
Angela Glajcar è, allo stesso tempo, artista e pioniere. Ogni spazio espositivo - anche la grande sala del Kunstverein Ludwigshafen (Associazione per le Arti di Ludwigshafen) - viene sottoposto a un esame e a un’analisi approfonditi, prima che l’artista, con l'ausilio di modellini, cominci a sondare le differenti possibilità d'intervento, determinate dallo spazio stesso. Il lavoro effettivo, la realizzazione del bozzetto, non avviene nell'atelier dell'artista ma direttamente in loco. I mezzi artistici sono ridotti al minimo: le bastano carta e luce per realizzare una delle sue più imponenti installazioni con la carta fino a oggi, alla Kunstverein Ludwigshafen. In generale, un principio essenziale sotteso al lavoro artistico di Angela Glajcar è ottenere un risultato efficace con grande precisione e un'estrema economia di mezzi. In questo senso l’artista si appropria delle diverse qualità dei suoi elementi. Combina il potenziale tangibile della carta con la proprietà immateriale
della luce, costruendo impressionanti installazioni tridimensionali a partire da fogli di carta a due dimensioni.
Lo spazio espositivo del Kunstverein Ludwigshafen - una superficie di 500 metri quadrati, per un'altezza di oltre 5 metri - ha subito una totale trasformazione. Nella galleria completamente oscurata si erge nel centro dello spazio un corpo spaziale lungo più di 17 metri, inondato da una luce artistica. La dimensione è di per sé impressionante; a un primo sguardo la sua forma non riporta alla mente nulla di conosciuto. “Arsis” - dal greco antico, ‘sollevarsi, ascendere’ - è il titolo dell’opera, che segna anche l'inizio di una nuova fase artistica. Strisce di carta fluttuano e oscillano, in successione, per scivolare morbidamente sul pavimento da un'altezza di oltre 5 metri. In alternanza ritmica, sempre leggermente scostati tra di loro, i fogli sono allineati in un movimento scorrevole, definendo in questo modo il profilo di un triangolo. Come un manto protettivo, le strisce di carta racchiudono uno spazio vuoto. Questo incavo sovrasta di molto l'osservatore, chiudendosi a punta da un lato e aprendosi dall’altro. Ogni foglio è lungo da 8 a 15 metri, largo circa 16 centimetri, ed è fissato al soffitto tramite sottili fili di ferro. Con ampi gesti calcolati, le strisce di carta si estendono fino al pavimento, assottigliandosi e così dando l'impressione di terminare lì; fino a quattro fogli. E si sollevano nuovamente dal pavimento, risalendo al soffitto con un'ampia onda.
Questa installazione rammenta un monumentale corpo cavo, simile all’ossatura di una nave; è percorribile in tutti i sensi, anche nel suo interno. Nonostante la considerevole mole, l'installazione è caratterizzata da una straordinaria leggerezza e fragilità, ulteriormente enfatizzate da un preciso orientamento della luce. Luci e ombre restano sospese sulle strisce trasparenti di carta, trasformando la voluminosa scultura in un'opera multidimensionale. Osservarla da un'unica prospettiva non consente di afferrarla tutta e di comprenderne la bellezza ed eleganza ammaliante. Soltanto all’osservatore che gira attorno si dischiuderanno incessanti metamorfosi dello spazio, grazie alle angolazioni sempre diverse. La scultura sembra aprirsi e richiudersi, a seconda della posizione
dell'osservatore, guidandone lo sguardo lungo la sua superficie e nel suo interno. Alcune strisce mostrano delle fenditure, intenzionalmente prodotte dall'artista, che attraverso il gioco delle luci incidenti proiettano l'ombra dei loro bordi sulle strisce immediatamente successive. Prospettive senza fine, percezioni luminose e spaziali, proprie di questo spazio simile a una caverna, producono l'annichilamento dei confini fra realtà e immaginazione. L’installazione considera anche lo spazio circostante. La luce crea dei propri percorsi nelle numerose fenditure e aperture fra una striscia e l'altra, finendo per trasformare le pareti e il pavimento in grandi schermi su cui si proiettano gli straordinari giochi d'ombre.
Una particolare percezione dello spazio è garantita al visitatore che si inoltri nell’interno
dell'installazione. Da questa prospettiva le lunghe strisce di carta, disposte una dietro l'altra, serpeggiano fino al soffitto come un'enorme onda. La dimensione monumentale dell'installazione è percepibile con maggior forza dal suo interno. Il cammino ci conduce in spazi sempre più angusti, fino a giungere all’estremità chiusa. Circondato da una "foresta di carta”, lo spettatore si ritrova nel cuore dell'installazione, dove si manifesta un'ulteriore caratteristica della carta - questa sostanza fatta di materie naturali - una caratteristica che va oltre la sua natura tattile: è il calore che offre, dando al visitatore una piacevole sensazione di sicurezza e protezione.
Questa installazione, che domina lo spazio espositivo sorgendo nel suo mezzo, è completata significativamente da altre tre sculture, appartenenti a una precedente fase dell'artista. Tre blocchi di carta, di differenti altezze, collocati nella galleria per costituire un contrasto, carico di significati, con la vicina struttura spaziale fluttuante, “Arsis”: in tal modo la gravità statica controbilancia l'elegante levità. Anche in questo caso, Angela Glajcar si limita all'uso di un unico materiale: del normale cartone marrone. 1200 fogli sono stati sovrapposti, in modo da formare un blocco squadrato, che a un primo sguardo potrebbe sembrare minimalista. Ma a una certa distanza, il cubo appare come una forma ben definita, mentre a uno sguardo più attento rivela la propria essenza. In alcuni punti sembra concavo. I fogli sono stati strappati in punti diversi e deposti uno sull’altro, foglio per foglio, così da formare delle cavità mai eguali, più piccole o più grandi. I segni di questo
procedimento sono evidenziati in modo peculiare dall'irregolarità dei bordi del cartone. Ridanno struttura e consistenza alla carta in sé, creando riccioli in certi punti, dilaniando l'interno del cubo e alcune volte rompendo la stessa superficie esterna, altrimenti compatta e liscia. Queste viste a "terrazzamenti" ricordano le costruzioni lamellari, le stratificazioni geologiche o i disegni delle rocce sott'acqua. La speciale illuminazione su ciascun cubo guida gli occhi dell'osservatore attraverso questi labirinti incassati, che sempre più profondamente scendono nelle viscere della scultura e conducono all'interno del cubo, nei suoi più segreti e bui recessi, fino al punto in cui nessuna luce può penetrare e tutto si dissolve nel buio totale.
Qui, come già nelle prime opere, Angela Glajcar mostra significativamente il potenziale della carta, di solito conosciuta per la sua leggerezza e fragilità. Ne rivela l'aspetto più materiale, tangibile, nonché le sue qualità immateriali, suscitando in questo modo sempre nuovi, sorprendenti visioni. Come dice la scultrice, “la carta è una sostanzaappassionante, in grado di cambiare continuamente e assumere qualsivoglia forma.” Appena lo spettatore entra nello spazio espositivo, si sente messo a confronto con un universo concluso, che nondimeno rimanda continuamente all'ambiente circostante. Così il visitatore diventa scopritore e ricercatore. Solo camminando attorno all'installazione e traversandola, è possibile catturarne la complessità spaziale e la diversità ottica, percependo altresì quella speciale atmosfera in cui spazio e tempo sono correlati. Con questa installazione l'artista ha creato uno spazio eccezionale per il riposo e la contemplazione, che ci difende e distanzia dal nostro frenetico mondo quotidiano, così saturo di rumori e stimoli.
Nonostante il nitore, la semplicità e il rigore formale, quest'opera offre una gamma infinita di associazioni. Visioni e immagini che riescono a creare un ponte fra noi e la realtà; ma nello stesso tempo ci restituiscono uno spazio sgombro e aperto, dove i nostri pensieri e le nostre fantasie possono liberamente vagare.
Barbara Auer
Intervista ad Angela Glajcar - Realizzata per la rivista "Titolo" diretta da G. Bonomi
1. Pur utilizzando anche altri materiali, è indubbio che la carta sia l’elemento essenziale della tua opera. Come sei giunta a scegliere la carta come materia d’elezione e quale aspetto di tale materia apprezzi maggiormente?
A.G.
Anticipando la mia prima serie di carta „Contrarius“ facevo piccoli collage di carta che erano prima pensati come disegni per delle sculture di legno e di acciaio. La carta presentava tutte le sue caratteristiche interessanti: è leggera e piatta, ma sorprendentemente si possono creare nello spazio dei volumi enormi. La carta è flessibile e mobile – e il movimento gioca da sempre un grande ruolo nel mio lavoro. Ma prima di tutto la carta meraviglia per la sua presenza sculturale. Queste tensioni si allargano nello spazio e gli danno un’atmosfera tutta sua.
2. Le tue sculture e installazioni sono fatte per stratificazioni e sovrapposizioni di fogli ma allo stesso tempo vi è presente anche l’elemento della sottrazione. Infatti, perforando i tuoi volumi crei degli spazi vuoti che si aprono allo sguardo dello spettatore, che ne può scrutare l’interno. Nel tuo lavoro quanto peso hanno la stratificazione e il rapporto tra pieni e vuoti?
A.G.
Prima di tutto è interessante costruire dei corpi nello spazio che non sono veramente pieni. Da un lato sono massicci, dall’altro sono trasparenti. A seconda dello sguardo lo spettatore vede quindi un blocco o gli spazi vuoti tra i fogli. Questi corpi grezzi costituiti da una moltitudine di fogli messi in linea, strappati hanno tutti una forma individuale. E come un coro che soltanto nel suo insieme crea il Klangkörper (cassa di risonanza, coro, unicum). Le voci singole devono essere perfettamente intonate/ sincronizzate e fanno vedere unicamente nella totalità il loro effetto “completo”.
Lo spazio interno è creato rompendo dei pezzi. In verità il foglio è ferito. I bordi rotti sembrano morbidi e creano un contrasto deciso con i bordi esterni tagliati. Gli spazi vuoti dei fogli unici danno ai misteriosi spazi interni un’apertura che tira lo sguardo verso l’interno e di ritorno all’esterno. Un massiccio blocco chiuso avrebbe sicuramente qualcosa d’inquietante; forse questi “spazi interni aperti” permettono esattamente allo spettatore di far riposare il suo sguardo – per avvicinarsi lentamente.
3. Con la carta riesci a creare sia delle strutture leggere, che sembrano sottrarsi alla forza di gravità, che volumi massicci, quasi fossero dei blocchi di marmo squarciati, ma in entrambi i casi le tue opere appaiono come sospese in una dimensione atemporale, capaci di evocare atmosfere cariche di suggestioni…
A.G.
La carta è certamente un materiale che reagisce all’atmosfera in tanti modi diversi. La carta seduce tramite la sua sensualità tattile: si desidera di toccarla, di sentirla e reagisce fortemente all’ esterno e alla luce. Grazie alla tecnica della sovrapposizione le opere di carta si fanno penetrare dalla luce creando sempre nuove forme.
4. Spesso le tue opere, fatte di carta lasciata naturale e caratterizzate da un’elegante purezza, sono interamente bianche, oppure giocano sul contrasto del bianco con il nero dell’inchiostro, per quale ragione il colore non entra mai nei tuoi lavori?
A.G
In prima analisi sono un essere della materia. A me piace sempre lavorare con le qualità di un materiale, con le sue possibilità allo stato puro. In questo caso il colore mi sembrerebbe artificiale – come il trucco. Questa purezza attrae l’osservatore in modo diretto.
Il “bianco” puro della carta viene rotto da una quantità di luce e ombra che ne amplifica l’effetto spaziale. Le ombre variano in tutte le scale di grigio e si proiettano sui muri. Cosi i lavori si espandono nello spazio e si crea un dialogo tra la materia, la luce, l’ombra e lo spazio che è tutto altro che assenza di colore.
5. Recentemente hai realizzato una grandiosa e coinvolgente installazione presso la Conferenceroom di Francoforte, come è nato quel lavoro?
A.G
Fino ad oggi questo è forse la più libera traforazione. Si sviluppa dal muro al soffitto; dentro lo spazio. Inizialmente l’opera è larga solamente mezzo metro per poi arrivare a tre metri, quando è diventata nove metri di lunghezza.
Per me è interessante lavorare in luoghi lavorativi. Si pone come una sfida, creare un’atmosfera speciale, cambiare lo spazio in modo positivo tramite una scultura.
Prima preparo i modelli in scala 1:10 per concepirne l’effetto spaziale. Per me è sempre sorprendente quanto si può già leggere in questi modelli i diversi fenomeni spaziali. I pezzi difficili, soprattutto quelli di ‘transito’, per esempio dal muro al soffitto, li costruisco in scala 1:5 e cosi provo tutte le posizioni possibili. Questi modelli servono anche come matrice per la costruzione in acciaio – i tubi piegati e i ganci.
E’ sempre molto eccitante vedere i cambiamenti in sito. Solo li, i pezzi vengono assemblati e finalmente e definitamene armonizzati. Man mano la scultura cresce nello spazio e lo conquista.
Cristina Marinelli
Traduzioni: Gudrun Strümpf De Felice,
Dr. Lisa Hockemeyer
Dal materiale al di là del materiale
Angela Glajcar è una scultrice: strappa e perfora la carta. Delicatezza è robustezza, e la tenerezza è monumentale. Come materiale artistico, la carta ha fatto piuttosto tardi il suo ingresso nella terza dimensione. Per lungo tempo, è stata semplicemente sostegno per il disegno, l'acquarello o la grafica. È stato solo l’interesse dei moderni per le proprietà sensuali intrinseche nei diversi materiali a portare a un allargamento delle possibilità, tra cui l’impiego della carta come materiale artistico grezzo, per sé. Due
aspetti che hanno un significato importante. Da un lato, il ritorno a modalità obsolete di fabbricazione manuale, si pensi ai procedimenti utilizzati da Helmut Dirnaichner, il quale crea carta cui aggiunge pigmenti minerali macinati. Dall’altro lato, la carta ha trovato applicazione come materiale plastico, per segnalare vulnerabilità, fragilità e caducità; questo discorso vale per alcuni lavori di Angela Flaig, tra gli altri, che dalla cellulosa crea forme simili a bozzoli, o certi oggetti di Elisabeth Wagner, che con la
carta ricrea oggetti pesanti di uso comune, come pentole e mestoli. Tuttavia, in nessuno di questi esempi il prodotto finale, pressato ed essiccato, lisciato, incollato, dipinto e tagliato accuratamente in strisce esatte, diviene soggetto immediato o argomento dell’intervento artistico. La carta impiegata è fatta a mano (Dirnaichner) o possiede una funzione pratica (Flaig, Wagner). Qui sta la differenza fondamentale con le opere di Angela Glajcar. I suoi oggetti, i rilievi e le installazioni, non si basano soltanto su carta di alta qualità, prodotta con tecniche avanzate – anzi Glajcar ci tiene a sottolineare l’origine industriale del suo materiale: quando lascia che lunghe strisce di carta ricadano nello spazio in un’ampia onda, lo fa in modo tale che la delicatezza, la flessibilità e la fluidità del materiale siano ben visibili. Ma richiama contemporaneamente l’attenzione sui margini affilati dove le strisce e i fogli sono stati tagliati, proprio come fa con le sculture incavate. L’origine industriale degli oggetti, che Angela Glajcar ha raggruppato in un gruppo unico sotto il nome di “Terforazioni”, salta immediatamente all’occhio. Soprattutto là dove una forma cubica rigorosa emerge da singoli fogli di carta, sovrapposti uno sull’altro, diviene essenziale che la dimensione e la proporzione dell’opera derivino dal formato e dal numero standard dei fogli accatastati. In questo senso Glajcar fa sua una nozione concettuale-concreta di plasticità. L’oggetto d’arte diventa una circostanza spaziale, determinata quindi da fattori e componenti strettamente definiti. Glajcar si muove all’interno di questa cornice esplicitamente calcolata, per poterla al tempo stesso rompere e farla esplodere. Contro le condizioni oggettive si pone un momento soggettivo: l’artista strappa pezzi di diverse dimensioni da ogni singolo foglio, a volte nel centro, a volte sui lati. I margini di queste lacerazioni corrono irregolarmente, ma non casualmente. Ogni intervento nell’incolumità di ciascun foglio è riferimento al foglio precedente; e diviene, al tempo stesso, la base per la composizione dei fogli successivi. Questa procedura si ripete fino a che dai rettangoli di carta disposti uno sull’altro emerge il negativo di una forma. Un cratere, simile ad una caverna o ad una baia, grezzo e frastagliato. In sequenza, per addizione, foglio sopra foglio, strato dopo strato, Glajcar costruisce situazioni. Questa procedura è conforme ai precetti dell’arte concreta nella misura in cui la costruzione dell’oggetto segue regole chiare e trasparenti. Inoltre, l’approccio di Glajcar è concettuale, in quanto ogni oggetto può essere decomposto e ricomposto, ovvero sovrapposto, un numero infinito di volte. Le istruzioni racchiudono l’opera stessa. Tuttavia l’artista non si limita a specificare i parametri della composizione, lasciandone la realizzazione ad altri (i “Wall Drawings” di Sol LeWitt sarebbero un esempio di questo metodo operativo). Glajcar dà molta più importanza alla figura dell’autore; infatti, non soltanto lascia un segno su ogni singolo foglio di carta, attraverso una modificazione cosciente, ma indirizza l’intero mutamento a uno scopo. Nel corso del processo di lavorazione, Glajcar traduce le percezioni dello spazio in una realtà tridimensionale. Queste percezioni possono inizialmente apparire vaghe, ma divengono a poco a poco sempre più accurate. Nondimeno, restano sempre chiari i principi compositivi da cui parte l’artista e a cui rimane sempre fedele, durante le diverse fasi di lavoro. Angela Glajcar si è formata nella tradizione moderna, e le sue basi estetiche emergono nella maniera in cui modella volumi così come nell’incisività con cui articola il rapporto tra interno ed esterno. Glajcar ha fatto il suo ingresso nell’arte attraverso un dibattito sull’aspetto tangibile-industriale di materiali quali il legno e la pietra. Più avanti, durante gli studi con Tim Scott all’Accademia delle Arti di Norimberga, ha scoperto un altro materiale, l’acciaio. Questo periodo ha generato una serie di metal-plastiche. Tuttavia, si è lentamente risvegliato un rinnovato interesse per il legno. Sul finire degli anni novanta, Glajcar ha cominciato a creare immense strutture, servendosi di tronchi massicci, caratterizzate da cospicue intaccature, larghi solchi e grandi curve. Queste sculture si ergono nello spazio come corpi imponenti, estendendosi a dismisura, possenti e titaniche. L’artista esibisce queste opere sotto il nome di “Corrispondenze nello Spazio”, donandoci in questo modo una parola chiave, che descrive un momento centrale del suo lavoro. Sia che operi con la carta o con la plastica, con acciaio e legno, Glajcar dirige la propria attenzione sulle condizioni di interazione, relazione, dialogo o contrasto. Per un gruppo di sculture in legno, dunque, si è ispirata alla tecnica di costruzione giapponese del ‘noyane’, in cui sotto l’involucro esterno dell’architettura viene introdotto un cosiddetto ‘tetto nascosto’, nel centro di un sofisticato sistema di legami e nodi. Nel ‘noyane’ la stabilità è mantenuta grazie alla creazione di un equilibrio perfetto; per questa ragione, è stato preso a modello da Angela Glajcar per la propria arte. Infatti, il momento centrale sta nell’equilibrare, laddove il risultato può sembrare instabile e vulnerabile, poiché gli opposti si incontrano ed emergono le tensioni tra gli elementi, fra condizioni e posizioni contrastanti. Queste polarizzazioni, siano latenti o evidenti, formano spesso il fondamento semantico dei lavori di Glajcar. Appaiono nei fogli di carta, la cui meccanica perfezione viene in alcuni punti intaccata dall’azione manuale, venendo così a simbolizzare il suo contrario, e fornendo un’antitesi individuale ai beni industriali standard. Coppie di contrari si manifestano anche nei collages, dove il nero si contrappone al bianco, accanto all’alternarsi tra intagliature nette e contorni imprecisi - strappati a mano. Sono evidenti nelle grandi installazioni, dove strisce di carta lunghe decine di metri infondono leggerezza, con le loro morbide onde, a dispetto del considerevole peso. E tali polarizzazioni caratterizzano altresì le sculture in legno, anch'esse piuttosto pesanti, benché posseggano una certa flessuosa levità, in certi punti quasi danzante. In particolare, le “Corrispondenze nello Spazio” richiamano associazioni antropomorfiche. Il primo pezzo del gruppo di opere ricorda un torso umano, e nelle altre sculture è possibile identificare membra umane, figure che si reclinano, rannicchiandosi l’una nell’altra, ed ecco apparire una testa, che giace stanca sul corpo goffo. Eppure, Glajcar non intende attribuire ai suoi oggetti, rilievi o alle sue installazioni un valore associativo. Ogni forma, a prescindere dal materiale, è sviluppata essenzialmente dal materiale e determinata dal processo di lavorazione. Non c'è mai il tentativo di inserire nella struttura formale elementi narrativi o allusioni figurative. Quando le opere di Glajcar riportano alla mente immagini o visioni che oltrepassano il particolare contesto formale, tali interpretazioni sono esclusivamente frutto dell’osservatore. Ciò nonostante, le sculture di legno e le opere di carta sono a tal punto determinate dalla loro stessa consistenza, che è facile assegnare loro significati della realtà quotidiana di cui sono impregnate. L’arte di Glajcar è eclettica, non solo nel significato reale del termine, nel momento in cui dispone i fogli di carta a lamelle, uno sull’altro, ma anche in senso metaforico. Permette di proiettare su ogni singolo oggetto esperienze personali e collettive, immaginazione e fantasie. In questo senso, è la continuazione di quello che Umberto Eco ha definito come “L’opera Aperta” (1). Se parametri come proporzione, cammino lineare, relazione tra luce e ombra o estensione nello spazio sono considerati la semantica dell’arte, allora concetti come apertura e indeterminazione sollevano delle questioni. Domande relative al fattore scatenante del processo associativo: perché questo oggetto ci dà l’impressione di una caverna? O: il legame con la luce influisce sull’inconscio, sciogliendo sensazioni che rimandano all’era ontogenetica primordiale? La combinazione di effetti luminosi con la progressiva profondità spaziale, spesso utilizzata da Glajcar, ci conduce inevitabilmente a pensare all’allegoria platonica della caverna e di conseguenza alla sua teoria delle idee, in cui tutto ciò che prende forma esiste già come immagine ideale, ovvero idea. Ed ecco riemergere questioni relative ai processi cognitivi e all’esistenza umana. Per un filosofo come Georg Wilhelm Friedrich Hegel, tali tematiche possono essere espresse unicamente in un materiale duro e permanente; “il più immediato” secondo la nozione di Hegel di marmo, “nello scopo della scultura” (2). Glajcar dimostra che anche materiali meno duraturi e nobili sono divenuti, per così dire, compatibili con l’arte. Inoltre mette in luce quanto profondamente l’arte sia penetrata nella vita di tutti i giorni, abbandonando le supreme sfere chiuse dei templi e dei palazzi.
Michael Hübl
Nata a Mainz, in Germania. Vive e lavora a Nieder-Olm.
2010
Carta spaziale, Galleria Grossetti, Milano
Ad id temporis, Sint-Anna-ten-Drieenkerk, Antwerpen
2009
AD LUCEM, Kunststation Sankt Peter Köln, Germania
Innen – raum – aussen, Galerie Löhrl Mönchengladbach, Germania
Galerie C. Wichtendahl Berlino, Germania
Arsis, Installazione al Kunstraum Hüll, Germania
2008
Sculpture céleste, Cartiera Kayserberg, Francia
Inside - outside, Kunstverein Siegen – Germania
2007
Galerie Maurer Francoforte, Germania
2010
Regionale, Wilhelm-Hack-Museum Ludwigshafen, Germania
Art First, sezione di ArteFiera Bologna, Bologna, Italia
Art Cologne, Galleria Grossetti und Galerie Löhrl, Colonia
2009
ArtCologne, Grossetti Arte Contemporanea, Colonia, Germania
"Selection 2009" Collettiva, Grossetti Arte Contemporanea, Milano, Italia
ArtVerona, Grossetti Arte Contemporanea, Verona, Italia
Qui è altrove, Assoc. Amici per Castelbasso, Castelbasso, Italia
ArteFiera Bologna, Grossetti Arte Contemporanea, Italia
2008
Paper Biennale Holland, Codamuseum Apeldoorn e Rijswijk Museum, Olanda
ArtVerona, Grossetti Arte Contemporanea-Milano, Italia
Dialogue poétique, Château de Vaudrémont, Francia
Galerie Aphold Basilea, Svizzera
2007
Geometrisk Abstraktion XXVI, Konstruktiv Tendens, Stockholm
Schwebend, Galerie Dr. Dorothea van der Koelen Mainz– Germania
Plus, Museum Wiesbaden, Germania
1999 – 00
Concessione Asterstein dal Ministero della Cultura dello Stato di Rhineland-Palatinate
2001 – 02
Concessione progetto “Correspondence in Space” dal Ministero della Cultura Bavarese
2004
Vordemberge-Gildewart Grant
2005
Assegnato il premio Emy Roeder Prize
2006
Assegnazione del Phönix Art Prize
Nata a Mainz, in Germania. Vive e lavora a Nieder-Olm.
2007 -08 Visiting chair (scultura) dell'Universitá di Gießen
1996 Master studentesco
1991-98 Studia scultura nella Akademie der Bildenden Künste in Norimberga sotto la guida del Professor Tim Scott
Nato a Biella, Italia, nel 1971. Vive e lavora a Bologna.
2016
Paintings, Galerie Sobering, Paris, curated by Mark Gisbourne.
L’ignoto che appare, Galleria Il Milione, Milan, curated by R. Borghi.
Salone della pittura bolognese dal 1940 ai giorni nostri, Galleria Fondantico, Bologna.
Ecce homo, Galleria Nuovospazio, Piacenza, curated by R. Borghi.
2015
Acqua è, Expo Venice, curated by V. Agosti.
Je me souvien, Centre d’Art Contemporain La Traverse, Paris.
Lorenzo Puglisi, SetUp Art Fair Special Project – Solo Show, Bologna.
YIA 2015, Galerie Sobering, Carreau du Temple, Paris.
Je me souviens du génocide armenien, Galerie Sobering, Paris.
Lorenzo Puglisi, Museo Cà La Ghironda, Bologna.
2014
Lorenzo Puglisi, Museo del Territorio, Biella, essays by T. Barresi, P. Bellardone, B. Corà. Posterity is a form of the spectator, Galerie Sobering, Paris.
Lorenzo Puglisi, presentation at the Villa Reale, Monza, lectures by V. Casacchia, A. Crespi. Lorenzo Puglisi, Villa Cusani Tittoni, Desio (MB), essays by B. Corà, V. Casacchia, A. Crespi. 2013
Dimenticare il tempo, Galleria Il Milione, Milan, curated by V. Dehò.
Nero di fondo, Sala dedicata, Palazzo Monferrato, Alessandria, curated by A. Zanchetta. Nuove proposte di pittura, Galleria Battaglia, Milan.
Nero, Galleria Bianca M. Rizzi & M. Ritter, Milan, curated by E. Beluffi.
Selected for the Artist Pension Trust, London.
2012
Carlo Bernardini / Lorenzo Puglisi – Zilli, l’Art de Vivre, Palazzo Bagatti Valsecchi, Milan. Art First Bologna, Galleria Grossetti Arte Contemporanea, Milan.
Corpo a corpo, Bi-Box Art Space, Biella.
Oltre l’attimo, Galleria Grossetti Arte Contemporanea, Milan.
2011
Presenze, Galleria Grossetti Arte Contemporanea, Milan, a cura di B. Grossetti. 1000+1000+1000, Palazzo Fava, Bologna, a cura di P. Daverio.
ArtVerona, Galleria Grossetti Arte Contemporanea, Milan.
A Collection 1958/2011, Galleria Grossetti Arte Contemporanea, Milan.
2009
L’antico incontra il moderno, Galleria Fondantico, Bologna.
Lo stato dell’arte 2009, Galleria Obraz, Milan.
KunStart 2009 Bolzano, Studio Maffei, Milan.
Pitture, Galleria Obraz, Milan, curated by E. Beluffi.
2008
Lorenzo Puglisi, Piccola Galleria, Asolo (Pd), curated by V. Dehò.
Art First Bologna, Galleria Caos, Rome.
Portraits, Palazzo Berva, Cassano D’Adda, (Mi).
2007
19 Dipinti, Nipple Gallery, Bologna, curated by U. Zampini, S. Bonaga. Scenography for the play La spia by G. Celli, Navile Theather, Bologna.
2006
Dipinti, Lanificio Pria, Biella, curated by U. Zampini.
Quattro cari auguri, Biella, curated by O. Gambari.
2005
07/06/05, Palazzo della Provincia, Biella.
L’arte e il silenzio, Sanctuary of Oropa, Biella, curated by S. Bassanese.
Nato a Dublino nel 1960.
MOSTRE PERSONALI
2016 Galleria San Fedele, Milan
2009 Kerlin Gallery, Dublin
Ulster Museum, Belfast
Interludium, Newman House, St. Stephen’s Green, Dublin
2008 Unique Act, Dublin City Gallery The Hugh Lane, Dublin
2007 Kunst-Stattion, Sankt Peter, Köln
2005 Kerlin Gallery, Dublin
2003 Slewe Galerie, Amsterdam
Sleeper, Edinburgh
Galleris S65, Aalst
2002 Villa Pomini, Castellanza
Hugh Lane Gallery, Dublin
“New Paintings”, Galerie s65, Cologne
2001 ‘Blue’ Kerlin Gallery
2000 Fondazione Scarampi, San Giorgio Scarampi
“10 Drawings”, Copyright Tutti, Verduno
1999 Kerlin Gallery, Dublin
1998 Slewe Galerie, Amsterdam
Palazzo Comunale di Merate
Baukunst, Cologne
Galleria Grossetti, Milan
1997 Kerlin Gallery, Dublin
Extra Moenia, (with Roberto Caracciolo), Todi
Edition X, Cologne
1996 Galerie M Jordan b.Devarriuex, Paris
1995 Slewe Gallery, Amsterdam
Kerlin Gallery, Dublin
Orchard Gallery, Derry
1994 Turchetto-Plurima, Udine
1993 Kerlin Gallery, Dublin
1992 Studio Carlo Grossetti, Milan
1991 Kerlin Gallery, Dublin
1990 Studio Carlo Grossetti, Milan
Geert Schriever, Amsterdam
1989 Galerie Jurka, Amsterdam
1987 Hillman Holland Fine Arts, Atlanta, USA
1986 Galerie T'Venster, Rotterdam
Galerie Jurka, Amsterdam
1985 Galerie Jurka, Amsterdam
1984 Luigi Deambrogi, Milan
1983 Luigi Deambrogi, Milan
PRINCIPALI MOSTRE COLLETTIVE
2012 Galleria Rubin, Milano
2011 Fabbri Contemporary Art, Milan
Alla luce della Croce Arte antica e contemporanea a confronto, Raccolta Lercaro, Bologna
2010 Hugh Lane Centenary Print Exhibition, Wexford Arts Centre, Wexford
La pittura è oro #2, DOCVA - Documentation center of Visual Arts, Milan
State of mind. Minimal Art. Panza Collection, Varese
2009 The Weight of Light, Visual, Centre for Contemporary Art, Carlow
Terror and the Sublime: Art in an Age of Anxiety, Crawford Art Gallery, Cork
2007 Colour Based Paintings, Bergner & Job Galerie, Mainz
2006 Color Based Paintings ll, Bergner & Job Galerie, Mainz
Crystal Grey, Peacock Visual Arts, Aberdeen
2005 Lebendiges Grau, Karl Ernst Osthaus-Museum, Hagen
2004 Color Based Paintings, Bergner & Job Galerie, Mainz
2003 ‘Trilogia del colore’, Galleria Rubin, Milan
”Seeing Red”, Hunter college, New YorkTriangolino”, Arts centre Riverbank, Newbridge
“Colour Based Painting, Bergner + Job Galerie, Mainz
“Colour Chart” Ormaeu Baths, Belfast
2002 ‘Sight Specific’, Kilkenny Arts Festival, Kilkenny.
‘Sei,’ Galleria Corraini, Mantova
Gallerie S65, Cologne
“Astrazione Zero”, Spazio O, Milan.
“No Object, No Subject,No Matter…, Irish Museum of Modern Art
The Rowan Collection, Irish Museum of Modern Art, Dublin.
“Morandi e I Morandiani”, Cascina Roma, San Donayo Milanese
“Colour-A Life Of It’s Own”, Mucsarnok, Kunsthalle, Budapest
Palazzo Piacentini, San Benedetto del Tronto
2000 ‘Shifting Ground’, Irish Museum of Modern Art, Dublin
Galleria Grossetti, Milan
“Antonio Scaccabarozzi, Stephanè Bordarier and Seán Shanahan” Le 19, Centre Regional d’Art contemporian, Montbéliard
1999 Galerie Agnes b du Jour, Paris
“...Die Farbe (Rot) hat mich”, Karl Ernst Osthaus Museum, Hagen, Germany
1998 Peter Davis,Callum Innes and Seán Shanahan, Slewe Galerie,Amsterdam
A collection in the Making, Irish Museum of Modern Art, Dublin.
Kerlin Gallery, Dublin
L’abstraction & ses territoires, Le 19, Centre Regional d’Art contemporian, Montbéliard.
EV+A, Limerick City Art Gallery, Limerick
1997 Residue, Douglas Hyde Gallery, Dublin. (cat)
1996 Consistenza della pittura, Premio Micheti, Fonazione F.P. Michetti, Trancavilla al Mare.
Invitational, Praler Insel, Munich
Mostra d'Adda, Castello di Corneliano Bertario.
L'Imaginaire Irlandais, Ecole Nationale Superieure des Beaux-Arts, Paris
150 years of Heatherleys School of Fine Art, The Mall Gallery, London
L'inquieto geometrico, Studio Carlo Grossetti, Milan
1995/96 Acquisitions '95, Irish Museum of Modern Art, Dublin
Optical Consciousness, travelled to Stelling Gallery, Leiden; Verduno.
Non Plus Ultra, Lorenzelli Arte, Milan
Gallery Artists, Kerlin Gallery, Dublin
1994 Kerlin Gallery, Dublin
Unveiled, Cornerhouse, Manchester.
1993 A Selection from the Contemporary Arts Society Collection
Pittori Europe, A Milano, Forum di Assago, Assago
1991 Oggi - Today, Studio Carlo Grossetti, Milan
1987 Tussenblik: de Zonnehof, Amersfoort; de Waag,
Almelo; het Kruithuis, S-Hertogenbosch; Stadgalerij,
Heerlen; de Lakenhal, Leiden
Rijksaankopen, Rijksdienst, Beeldende kunst, het Prinsenhof, Delft, Holland.
Permiable del gesto, curated by Andre Garcia Cubo,
Centro Gallilejo, Madrid
Schemata, Riverside Studios, London.
1986 Zomertentoonstelling, Den Helder, Holland
Kunst, RAI, Amsterdam
Zones, Aorta, Amsterdam
1984 Five Painters, Riverside Studios, London.
1982 Early Works, Edinburgh Festival, Scotland.
COLLEZIONI PUBBLICHE
Public Collections
Stedelijk Museum, Amsterdam
RijksDienst Beeldende Kunst, Den Haag
Irish Museum of Modern Art, Dublin
Limerick city Art gallery, Limerick
Hugh Lane, Dublin
Gerling Konzern, Cologne
Karl Ernst Osthaus Museum, der Stadt Hagen
Nato a Dublino nel 1960.
1978-79 Heatherley School of Fine Art, Chelsea, Londra.
1979-82 Croydon College of Art & Design, Londra.
1986-88 Olivar Castillejo Foundation, Madrid.
Vive e lavora a Montevecchia, Lecco, Italia.
MOSTRE PERSONALI
2010
Raimund Girke - Arbeiten von 1960 – 2002 - Galerie Fahnemann, Berlin
Raimund Girke - Werke 1953-2002 - Walter storms galerie, Munich
2009
Raimund Girke - Werke aus vier Jahrzehnten - MMK Museum Moderner Kunst - Stiftung Wörlen, Passau
Raimund Girke. Farbe und Licht Malerei aus fünf Jahrzehnten - Quadrat Bottrop - Josef Albers Museum, Bottrop
Raimund Girke - Kunsthalle Bremerhaven, Bremerhaven
2008
Raimund Girke - Galerie Florian Trampler, Munich
2007
Raimund Girke - Elke Dröscher - Kunstraum Falkenstein, Hamburg
Raimund Girke 1930-2022 - Walter Storms galerie, Munich
2006
Raimund Girke - in Bewegung - Galerie Werner Klein, Cologne
Raimund Girke - Galerie Peter Zimmermann, Mannheim
2005
Raimund Girke - Galerie Fahnemann, Berlin
2003
Raimund Girke - Malerei 1959 - 1999 - Neues Museum - Staatliches Museum für Kunst und Design in Nürnberg, Nuremberg
Raimund Girke - Galerie Peter Zimmermann, Mannheim
2000
Raimund Girke - Skulpturen, Zeichnungen, Druckgrafik -Kunstsammlungen Chemnitz, Chemnitz
Raimund Girke - Walter Storms galerie, Munich
Raimund Girke - Neue Bilder - Galerie Hans Strelow, Dusseldorf
1999
Raimund Girke - Malerei auf Papier - Elke Dröscher - Kunstraum Falkenstein, Hamburg
1998
Raimund Girke - "Neue Bilder" - Galerie Dr. Dorothea van der Koelen, Mainz
Raimund Girke - - Galerie Brandstetter & Wyss, Zurich (closed)
1996
Raimund Girke - Museum gegenstandsfreier Kunst, Otterndorf
Raimund Girke - Malerei - Kunsthalle Nürnberg, Nuremberg
Raimund Girke - Malerei - Von der Heydt Museum, Wuppertal
1995
Raimund Girke - Malerei - Saarlandmuseum - Moderne Galerie & Studiogalerie, Saarbrücken
Raimund Girke - Malerei - Sprengel Museum Hannover, Hannover
1992
Raimond Girke: Paintings - Fruitmarket Gallery, Edinburgh (Scotland)
1989
Raimund Girke, Malerei - Kunsthalle Bremerhaven, Bremerhaven
1988
Raimund Girke - Arbeiten auf Papier - Museum Morsbroich, Leverkusen
Raimund Girke - Arbeiten auf Papier - Wilhelm Hack Museum, Ludwigshafen
1987
Raimund Girke - Arbeiten auf Papier - Museum Ostwall im Dortmunder U, Dortmund
1976
Raimund Girke - Galerie Erhard Klein, Bad Münstereifel
1972
Reimund Girke - Kunsthalle Bremerhaven, Bremerhaven
Raimund Girke - Bilder, Gouachen, und Aquarelle, Graphiken - Galerie Erhard Klein, Bad Münstereifel
1970
Raimund Girke - Bilde - Galerie m Bochum, Bochum
PRINCIPALI MOSTRE COLLETTIVE
2011
Im Fokus: Die 1950er bis 1970er Jahre - Museum Ritter, Waldenbuch
Private/Corporate VI - Daimler Contemporary, Berlin
Schwarz-Weiss - KUNSTKABINETT, Regensburg
2010
Das kleine format 3: die torlose schranke - Galerie Clemens Thimme, Karlsruhe
Kunst aus dem 20. Jahrhundert Winter 2010/2011 - Bilder - Objekte - Skulpturen - Galerie Neher GmbH & Co. KG, Essen
Outside the Cartouche - MODEM Centre for Modern and Contemporary Arts, Debrecen
Modern Times: responding to chaos - Kettle's Yard, Cambridge, Cambridgeshire (England)
2009
Die Neue Galerie – Auftritt im Schloss! - Museum Schloß Wilhelmshöhe, Kassel
Konkret - Die Sammlunf Heinz + Anette Teufel - Kunstmuseum Stuttgart - Galerie der Stadt Stuttgart, Stuttgart
Ausgewählte Werke / Gruppenausstellung in der Ismaninger Str. 51 - walter storms galerie, Munich
Arte povera bis minimal - Einblicke in die Sammlung Lafrenz - Museum Wiesbaden, Wiesbaden
Begegnung Bauhaus. Kurt Schmidt und Künstler der Avantgarde - von Kandinsky bis Vasarely Kunstsammlung Gera - Orangerie, Gera
Sammlung XXL - Kunstraum Alexander Bürkle, Freiburg
Die Gegenwart der Linie - Pinakothek der Moderne, Munich
Gemälde, Skulpturen und Arbeiten auf Papier - Galerie Florian Walch, Munich
2008
Aus dem Programm - Galerie Florian Trampler, Munich
"Gmunder Symposien" - Landesgalerie Linz, Linz
ABSTRAKT • KONKRET • INFORMELL - Galerie Neher GmbH & Co. KG, Essen
Rhythmus 21 - Positionen des Abstrakten - Städtische Galerie im Lenbachhaus & Kunstbau, Munich
Hängung # 2 - Malerei - Sammlung Alison & Peter W. Klein, Eberdingen-Nussdorf
Schaulager – Lagerschau - Galerie Feurstein, Feldkirch
2007
Blickpunkte Herbst / Winter - 2007/2008 - Bilder - Objekte - Skulpturen - Galerie Neher GmbH & Co. KG, Essen
Der unendliche Raum dehnt sich aus - Kolumba, Cologne
Gruppenausstellung - Galerie Fahnemann, Berlin
30 Jahre walter storms galerie - Jubiläumsausstellung - walter storms galerie, Munich
Wahlverwandschaften - , Weimar
ACCROCHAGE 3 - Galerie Appel, Frankfurt/Main
2006
Arena der Abstraktion - Museum Morsbroich, Leverkusen
Gruppenausstellung - Galerie Fahnemann, Berlin
Bildertausch. Neupräsentation der Sammlung Marli Hoppe-Ritter - Museum Ritter, Waldenbuch
2005
25 Jahre Galerie Fahnemann: Reopening - Galerie Fahnemann, Berlin
Erste Präsentation - Akademie-Galerie - Die Neue Sammlung, Dusseldorf
Raimund Girke und Nikolaus Gerhart - walter storms galerie, Munich
Sammlungswechsel - Kunstsammlungen Chemnitz, Chemnitz
Arbeiten auf Papier - walter storms galerie, Munich
Klasse Girke - Positionen 1971 -1996 - Verein für aktuelle Kunst / Ruhrgebiet. e.V. (VfaK), Oberhausen
Lebendiges Grau. Zwölf Positionen nicht-gegenständlicher Malerei - Karl-Ernst-Osthaus-Museum, Hagen
FARBE · FLÄCHE · FORM - Galerie Neher GmbH & Co. KG, Essen
2004
A P R I O R I - Galerie Dr. Dorothea van der Koelen, Mainz
"7. Art Summer" - Galerie Maulberger, Munich
Papier, Das Material des Künstlers - Städtische Galerie Villa Zanders, Bergisch Gladbach
Die Farbe Weiß - Galerie Florian Trampler, Munich
2003
Alles auf eine Karte - - Storms Düsseldorf GmbH, Dusseldorf (closed)
"Alles auf eine Karte..." - walter storms galerie, Munich
The Spirit of White - Galerie Beyeler, Basel
Kunst zeigt, was man nicht sieht. Die Städtische Sammlung Erlangen – Überblicke - Kunstpalais Erlangen, Erlangen
Wasser - Sand - Weite. Ein kultureller Dialog - Städtische Galerie Wolfsburg, Wolfsburg
entdeckungen - Edith Wahlandt Galerie, Stuttgart
Geiger-Girke-Lachauer-Schmid-k - walter storms galerie, Munich
2002
Durch 150 Jahre in Schwarz - Weiss - Hachmeister Galerie, Münster
5. Art Summer - Galerie Maulberger, Munich
"Nur Farbe" - Galerie Thomas, Munich
2001
Outside the network? - Edith Wahlandt Galerie, Stuttgart
"VON DER UNGLEICHHEIT DES AHNLICHEN IN DER KUNST" - Galerie Lindner, Vienna
Rétroviseur (Loués soient les grands hommes !) - Mamco - musée d´art moderne et contemporain, Geneva
Die Cabinette des Dr. Czerny - Neue Galerie Graz - Universalmuseum Joanneum, Graz
Kunst für Kaliningrad-Königsberg. 32 Künstler aus Deutschland - Kaliningrad State Art Gallery, Kaliningrad
Abstract German Art since 1950 - Galería Arnés + Röpke, Madrid
Kunst für Kaliningrad-Königsberg. 32 Künstler aus Deutschland - KOG - Kunstforum Ostdeutsche Galerie, Regensburg
Malstücke, Farbrhythmen, Artefakte - Edith Wahlandt Galerie, Stuttgart
2000
Century of Innocence – The History of the White Monochrome - - Rooseum Center for Contemporary Art, Malmö (closed, 2006)
Times are changing - Auf dem Wege! Aus dem 20. Jahrhundert! - Kunsthalle Bremen, Bremen
3. Art Summer - Galerie Maulberger, Munich
1999
Von Pierre Alechinsky bis Maurice Wyckaert - Sammlung Lühl, Mönchengladbach - Kunstsammlungen Chemnitz, Chemnitz
Die Musik ist wie die Malerei - Galerie Katrin Rabus, Bremen
Die Farbe (rot) hat mich - Karl-Ernst-Osthaus-Museum, Hagen
1998
Abstraktion Figuration III - Galerie Dieter Wilbrand, Cologne
Tonspur - Museum für Neue Kunst, Freiburg
1997
Frank Gerritz, Raimund Girke, Joe Goode, Steven Steinman, Günter Tuzina - - Galerie Brandstetter & Wyss, Zurich (closed)
Deutschlandbilder - Martin-Gropius-Bau, Berlin
1996
Abenteuer Kunst - Kunsthalle Göppingen, Göppingen
1995
Kunst in Deutschland 1945-1995 - KOG - Kunstforum Ostdeutsche Galerie, Regensburg
Accrochage - Galerie Uwe Sacksofsky, Heidelberg
1992
Sammlung Junge Kunst der König-Brauerei - Nassauischer Kunstverein, Wiesbaden
1991
Interferenzen: Kunst aus Westberlin : 1960 - 1990 - LNMM Latvijas Nacionālais Mākslas Muzejs / LNMA Latvian National Museum of Arts, Riga
1990
XLIV. Esposizione Biennale Internazionale d'Arte della Città di Venezia - La Biennale di Venezia, Venice
1989
Nonfigurative Malerei / Essentielle Malerei - Nassauischer Kunstverein, Wiesbaden
1988
Sammlung Murken - Kunstmuseum Bonn, Bonn
1987
Standort 1987 - Galerie Pels-Leusden, Berlin
1986
Positionen: Malerei aus der Bundesrepublik Deutschland -Albertinum - Galerie Neue Meister, Dresden
Von zwei Quadraten - Wilhelm Hack Museum, Ludwigshafen
Positionen: Malerei aus der Bundesrepublik Deutschland - Altes Museum, Berlin
Raimund Girke - Hans Steinbrenner - Quadrat Bottrop - Josef Albers Museum, Bottrop
Acht in Köln - Kölnischer Kunstverein, Cologne
1985
1954-1985
Kunst in der Bundesrepublik Deutschland - Neue Nationalgalerie, Berlin
1984
Herbert Brühl, Raimund Girke - Museum gegenstandsfreier Kunst, Otterndorf
Im Toten Winkel - Kunstverein in Hamburg, Hamburg
1977
Documenta 6 - Documenta, Kassel
1975
5 Jahre Galerie Klein - Galerie Erhard Klein, Bad Münstereifel
Fundamentele schilderkunst/Fundamental Painting - Stedelijk Museum Amsterdam, Amsterdam
1974
Geplante Malerei - Westfälischer Kunstverein, Münster
1969
Konzeptionelle Malerei - Galerie nächst St. Stephan - Rosemarie Schwarzwälder, Vienna
1959
Deutsche Künstler aus dem Osten - Die Künstlergilde - Nassauischer Kunstverein, Wiesbaden
Collezioni Pubbliche
Germania
Neues Museum Weserburg Bremen, Bremen
Kunstmuseum Bremerhaven, Bremerhaven
Kunsthalle Bremerhaven, Bremerhaven
Kolumba, Cologne
Sammlung Alison & Peter W. Klein, Eberdingen-Nussdorf
Kunstpalais Erlangen, Erlangen
Karl-Ernst-Osthaus-Museum, Hagen
Museum für Konkrete Kunst, Ingolstadt
Museum gegenstandsfreier Kunst, Otterndorf
Italia
Villa Croce Museo d´Arte Contemporanea, Genoa
Cataloghi
Kunst aus dem 20. Jahrhundert Winter 2010/2011 - Bilder - Objekte - Skulpturen Galerie Neher GmbH & Co. KG, Essen
20 Jahre für die Kunst ...; Dokumente unserer Zeit XXV- Galerie Dr. Dorothea van der Koelen, Mainz
Ausblick - 10 Jahre Galerie, Dokumente unserer Zeit - Band XII- Galerie Dr. Dorothea van der Koelen, Mainz
Raimund Girke - Arbeiten 1953-1989 - Dokumente unserer Zeit Band IX- Galerie Dr. Dorothea van der Koelen, Mainz
Nato a Heinzendorf nel 1930.
Nasce il 28 ottobre 1930 a Heinzendorf. Muore a Colonia in Germania il 12 giugno 2002.
Nasce nel 1934 a Induno Olona, Italia.
Livio Marzot nasce a Induno Olona nel 1934.
La sua ricerca artistica è molto varia: dalla pittura di paesaggio molto gestuale della fine degli anni Cinquanta, passa a studi più oggettuali influenzati anche dalle ricerche della scena artistica di New York, ampiamente frequentata in occasione di alcuni viaggi e permanenze negli Stai Uniti. La sua amicizia con Salvatore Scarpitta e la frequentazione dell’entourage di Leo Castelli lo mette in contatto con la generazione della Pop Art e in seguito con i primi fermenti dell’arte Minimal, mantenendo a lungo i rapporti con Sol Lewitt. E' il momento di opere più geometriche e di una scultura che va oltre il rigore del modulo per concentrarsi sull'ondularità intesa come simbolo di energia, vita, espansione. Nascono, quindi, le sculture in ferro che vengono esposte alla Biennale di Venezia del 1968.
Dopo il 1968 comincia un periodo in cui la ricerca diviene completamente astratta, si svolge cioè solo attraverso lo studio delle potenzialità della linea curva e della sinusoide, rinunciando alla produzione materiale delle opere. I disegni-diagrammi degli inizi degli anni Settanta si riferiscono infatti alla scomposizione e ricomposizione dei dati numerici risultanti dall’analisi strutturale del concetto dell’ondularità inteso come energia dell’Universo.
Negli anni Ottanta la sua sensibilità verso la pittura torna ad essere una costante nel suo linguaggio espressivo.
Ricompaiono paesaggi, nature morte, ma soprattutto sensazioni di paesaggio, immagini trasformate attraverso la sua sensibilità pittorica.
Nato in Sardegna a La Maddalena. Trascorre la sua infanzia a Genova.
Nato in Sardegna a La Maddalena. Trascorre la sua infanzia a Genova.
Dal 1943 al 1947 ritorna a casa per poi spostarsi a Roma. Quegli anni di solitudine trascorsi in Sardegna hanno lasciato dei segni indelebili nella sua memoria visiva.
Dopo gli anni burrascosi del liceo, orienta i suoi studi verso la scenografia presso l'Accademia di Belle Arti. In quei primi anni, i suoi interessi sono principalmente teatro e cinema. In 'Accademia, grazie anche agli insegnamenti di Toti Scialoja, si innamora della pittura americana contemporanea. La sua tesi finale, infatti, è su Jackson Pollock.Riesce a dedicarsi davvero alla pittura solo dopo il servizio militare obbligatorio e, consapevole delle sue doti manuali, intraprende un lungo apprendistato pratico.
Dato che in questo momento l'unica possibilità di vedere l'arte contemporanea in Italia è alla Biennale di Venezia, Battaglia inizia a viaggiare: Kassel, Parigi, Londra. "Per comprendere appieno, è necessario vedere la destrezza e la dimensione degli originali: è fuorviante limitarsi esclusivamente alla riproduzione".
Nel 1962, vive per sei mesi a Parigi, grazie ad una borsa di studio in pittura.
Nel 1964 inizia ad esporre a Roma, sempre consapevole del fatto che la sua pittura non è ancora individuale e autonoma. Una tappa fondamentale nella carriera artistica di Battaglia coincide con la mostra personale al Salone Annunciata del 1966, curata da Carlo Grossetti che ha avuto il coraggio di esporre nella sua galleria d'avanguardia, un artista ancora fuori moda.
Nel 1967 Battaglia si trasferisce per sei mesi a New York, lavorando in uno studio a Canal Street e stringendo amicizia con Reinhart, Motherwell e, in particolare, Mark Rothko. A suo tempo, Rothko era stato suo ospite a Roma per due mesi, nel 1965. Questo è il momento in cui scopre i suoi veri interessi: l'ambiguità e l'illusione del mondo tangibile, e li chiarisce lavorando ad una serie di quadri in cui esplora e sfrutta, per quanto possibile, queste idee. I risultati sono Misterioso, Vertiginoso, Visionario: opere che esaminano il volume in relazione ai grattacieli, concentrandosi sul gioco di riflessione sulle pareti di cristallo degli edifici.
Nel 1970, viene invitato alla Biennale di Venezia con uno spazio individuale in cui espone per la prima volta il tema delle maree. L'ambiguità, l'illusione e la magia del paesaggio marino coincidono con il suo amore sconfinato per il mare. Dal 1970 partecipa a tutte le mostre più importanti, sia in Italia che in Europa, della "nuova pittura" o "Pittura Analitica". Nel 1974 ha una retrospettiva a Venezia, a Palazzo Grassi, e poi a Ferrara, a Palazzo dei Diamanti e nel 1978 presso la Kunsthalle di Düsseldorf. Partecipa a diverse mostre d'arte contemporanea italiana tra cui Dipinti selezionati e sculture, la mostra inaugurale del Museo Hirshhorn di Washington del 1974.
In Italia, espone nei musei di Roma, Milano, Torino e molti altri: nel 1980 è invitato, ancora una volta con una sala personale alla Biennale di Venezia.
Dal 1980 si isola sempre più e inizia a dipingere con tempera all'uovo, dividendo il suo tempo tra Roma, New York e La Maddalena, dove ora dipinge in totale solitudine. Nella sua ricerca artistica la struttura nascosta del paesaggio tende ad assomigliare sempre di più all'aspetto del mondo visibile, non imitandolo, ma cercando di creare una "immagine in parallelo."
Carlo Battaglia muore la mattina del 17 gennaio 2005.
Nasce a Viterbo nel 1966. Vive e lavora a Milano.
MOSTRE PERSONALI
2009
Codice Spaziale, Galleria Grossetti Arte Contemporanea, Milano.
Codice Spaziale, Velan Centro Arte Contemporanea, Torino.
2008
Galleria Bruna Soletti, Milano, a cura di Giorgio Verzotti.
Interrelazioni nello spazio, Castello di Rivara (TO), a cura di Franz Paludetto.
Spazio Permeabile, Museo d’Arte Contemporanea, Lissone (MI), a cura di Luigi Cavadini.
Trasformazione dello spazio, Galleria Teknè, Potenza, a cura di Silvia Pegoraro.
2007
Event Horizon, Swing Space LMCC, New York, a cura della LMCC.
Interazioni-strutturaspazioluce, C.Bernardini-B.DePonti, Galleria Milly Pozzi, Como, a cura di Luciano Caramel.
2006
Light Sculptures, Galleria Milly Pozzi, Como, a cura di Luciano Caramel.
2005
Luminosistemi, Galleria Les Chances De L’Art, Bolzano, a cura di Nadja Perilli.
Galleria Il Sole Arte Contemporanea, Roma, a cura di Enrico Crispolti, Alessio Verzenassi.
Catalizzatori di Luce, Velan Centro Arte Contemporanea, Torino.
2004
Espaço permeável 2004, Museo Passo Imperiale, Rio De Janeiro.
Stati di illuminazione, Galleria Milano, Milano, a cura di Marco Meneguzzo.
Stati di illuminazione, Galleria Bruna Soletti, Milano, a cura di Marco Meneguzzo.
Linea di Luce, Galleria Spazia, Bologna.
2003
Sistema di Luce, Galleria del Naviglio, Milano, a cura di Rachele Ferrario, Nadja Perilli.
Sistema di Luce, Galleria Spaziotemporaneo, Milano, a cura di Rachele Ferrario, Nadja Perilli.
Spazi Permeabili, Spazio Como, Como.
2002
Permeable Space, Sculpture Space, White Room, Utica, New York.
2001
Spazio Permeabile, Galleria Fioretto Arte Contemporanea, Padova, a cura di Achille Perilli.
Divisione dell’Unità Visiva, Museo D’Arte Contemporanea, “Su Logu De S’Iscultura”, Ex Mercato Civico, Tortolì (NU).
2000
L’Ambigua luce dell’arte, Galleria L'Isola, Trento, a cura di E. Giovagnoni.
1999
La luce come materia dei sensi invisibili, Galleria Spaziotemporaneo, Milano, a cura di Claudio Cerritelli.
Light, Galeria Arsenal, Bialystok, a cura di Magdalena Godlewska - Siwerska, Alexandra Petrova.
Divisione dell’Unità Visiva, Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, Università “La Sapienza”, Roma, a cura di Nadja Perilli.
1998
Divisione dell’Unità Visiva, Musis, Museo della Scienza e dell’Informazione Scientifica, Università “La Sapienza”, Roma, a cura di Enrica Torelli Landini, Nadja Perilli.
Accordi di Luce, Galleria Nazionale della Pilotta, Parma, a cura di Vittoria Biasi.
Divisione dell’Unità Visiva, Crossing, Portogruaro, a cura di Enzo Santese.
1997
Sdoppiamento di un romboide, Museo Sperimentale d’Arte Contemporanea, L’Aquila, a cura di Enrica Torelli Landini.
Divisione dell’Unità Visiva, Palazzo Pallavicino, Galleria Alphacentauri, Parma, a cura di Vittoria Biasi.
1991
Galleria Miralli – Palazzo Chigi, Viterbo, a cura di Simonetta Lux.
Galleria Arte S.Lorenzo, Roma.
INSTALLAZIONI AMBIENTALI PUBBLICHE
2009
Codice Spaziale, Piazza S.Stefano, ArteFiera ArtFirst 2009, Bologna.
Open Mind(s) – Codice Spaziale, opera permanente, Villa del Grumello, Como, a cura di Giorgio Verzotti.
Twister - Codice Spaziale, opera permanente, MAM – Museo Arte Moderna e Contemporanea, Gazoldo degli Ippoliti (MN).
2008
Permeable Space, Ciudad De Las Artes Y Las Ciencias, Valencia.
Light Waves, opera permanente, Aereoporto del Salento, Brindisi.
Catalizzatori di Luce, Museo d’Arte Contemporanea, Lissone (Mi).
Spaesamenti, Via del Forno, Castelbasso (TE).
2003
Linea di luce, Semestre di Presidenza Italiana nell’UE, Piazza del Campidoglio, Roma, a cura di Vittoria Biasi.
2002
Spazio Permeabile, opera permanente, Viale dei Platani, Castellanza (Varese).
2001
Spazio Permeabile, Fundaciòn Valparaìso, Mojàcar, Almerìa.
Luci di Ancona, C.Bernardini, P.Mussini, Pepimorgia, Studio Azzurro, Piazza Cavour, Ancona, a cura di Cristiana Colli.
2000
Accordi di Luce, C. Bernardini, A. Biasi, M.Bowditch, via Fiume-Palazzo della Ragione, Padova, a cura di Vittoria Biasi.
1999
Spazio Permeabile, Torre del Museo Civico, Reggio Emilia, a cura di Cristiana Colli.
Spazio Permeabile, Chiostridi S.Domenico, Reggio Emilia, a cura di Cristiana Colli.
PRINCIPALI MOSTRE COLLETTIVE
2009
13th annual D.U.M.B.O. Art Under the Bridge, New York, a cura del Dumbo Arts Center.
The Group Show, GAM - Civica Galleria d’Arte Moderna, Gallarate (VA), a cura della Rete regionale dei Musei della Lombardia.
Corpo, Automi, Robot. Tra arte, scienza e tecnologia, Museo d'Arte Villa Ciani, Lugano, a cura di Bruno Corà e Pietro Bellasi.
Primavere del Bianco, Art & Culture Centre, Bangkok, a cura di Vittoria Biasi.
Cromofobie, Ex Aurum, Pescara, a cura di Silvia Pegoraro.
Incontri di percorso, Galleria Miralli – Palazzo Chigi, Viterbo, a cura di Agnese Miralli.
Dialoghi D’-Accanto, Magazzini di Palazzo Gatti, Viterbo, a cura di Federico Sardella.
2008
Digital Media, LA NAU - Universidad de Valencia, Valencia, a cura di Toni Calderon.
Springs in White, Lalit Kala Akademi, Rabindra Bhawan, New Delhi, a cura di Vittoria Biasi.
Springs in White, Rabindranath Tagore Centre, Calcutta, a cura di Vittoria Biasi.
Drawing all over – the power of the line, Kunstverein KISS Kunst im Schloss Untergröningen Temporares Museum, Abtsgmünd-Untergröningen (Stuttgart), a cura di Otto Rothfuss, Margarete Rebman.
Tina B, Alternative Space, Praga, a cura di Monika Burian e Rosanna Musumeci.
Mainsites - Mainseits 2008, Kunst in Schloss Homburg, Triefenstein Homburg (Frankfurt), a cura di Gertrude Elvira Lantenhammer.
Sculpture and Object XIII, GMB-Mirbach Palace, Bratislava (Slovakia), a cura di Lia De Venere.
Architetture Sensibili, Castello di Rivara, Rivara (TO), a cura di Linda Giusti.
VI Biennale Internazionale di Scultura della Regione Piemonte, Accademia Albertina, Torino, a cura di Luciano Caramel, Enrico Crispolti, Marisa Vescovo.
XXV Biennale di Scultura di Gubbio, Palazzo Ducale, Gubbio, a cura di Giorgio Bonomi.
Riserva Creativa, Manifesta 7 parallel event, Hangar Dorigoni, Trento, a cura di Rita Matano.
Territori di confine: Texture e Lumiere, Primo Piano Living Gallery - Palazzo Rubichi, Lecce, a cura di Dores Saquegna.
Chiarimenti Luce arte industria, Villa Mazzotti, Chiari (Brescia), a cura diIlaria Bignotti e Luca Panaro.
2007
Art Paris, Grand Palais, Parigi, Galeria Artiscope Bruxelles.
Come along to the future, Vychodoslovenská Galéria, Kosice (Slovakia), a cura di Csáji Attila.
International Light Workshop, Gallery A22, Budapest, a cura della Kepes Society.
Allarmi3, Casema de Cristoforis, Como, a cura di C.Antolini, I.Quaroni, A.Trabucco, A.Zanchetta.
The Dark Art Room, Galleria Altri Lavori in Corso, Roma, a cura di Francesca Franco.
L’Accademia di Brera ai Musei Civici di Pavia, Castello Visconteo, Pavia, a cura di Andrea Del Guercio.
Maravee 2007-Energy, Magazzini del Sale-Villa Ottelio-Savorgnan, Ariis di Rivignano (UD), a cura di Sabrina Zannier.
Light Tales, Castello Svevo, Trani (BA), a cura di Lia De Venere.
Rosengarten, Antonella Cattani Contemporary Art, Bolzano.
La nuova figurazione italiana – To be continued.., Fabbrica Borroni, Bollate-Milano, a cura di C.Canali.
2006
Light On, Galleria Artiscope, Bruxelles.
Filophilo, Hotel de ville de Montrouge, Parigi, a cura di Luciano Caramel.
Targetti Art Light Collection - White Sculpture, MUAR, Museo Nazionale di Architettura Schusev, Mosca, a cura di Amnon Barzel.
In & Out, Nuova Scultura Italiana, Galleria Spazia, Villa Paleotti Isolani, Bologna.
2005
FiloLuce, Museo della Permanente, Milano, a cura di Rachele Ferrario e Lorella Giudici.
Materika, Castello di Gorizia-Castello di Kromberk, Gorizia - Nova Gorica, a cura di Claudio Cerritelli, Peter Weiermair, Aleksander Bassin, Radovan Vukovic.
Fontana e la sua eredità, Palazzo Tirocchi, Castel Basso (TE), a cura di Silvia Pegoraro.
In & out, Opera e ambiente nella dimensione Glocal, Museo Michetti, LVI Premio Michetti, Francavilla al mare, a cura di Luciano Caramel.
Sculpture in the Public Arena 2005/06, Sculpture Now, Main Street, Great Barrington, (Massachusetts).
La quarta direzione dello spazio, C.Bernardini-M.Sobral, Galleria Navona 42, Roma, a cura di Vittoria Biasi.
Filophilo, 2005Miniartetextilcomo, Chiesa di S.Francesco, Como, a cura di Luciano Caramel.
Sculture nel parco, Nuova scultura italiana, Villa Paleotti Isolani, Minerbio (BO), a cura di Spazia Bologna.
Premio Giovani - Scultura 2005, Accademia di S.Luca, Roma.
2004
Enter Invito al Futuro, Premio Casoli, Barbara Behan Gallery, Londra, a cura di Valerio Dehò.
Lumen, C.Bernardini, A.Biasi, T.Boniolo, Galleria Fioretto, Padova, a cura di Sabrina Zannier.
Metamorfosi - Le ambiguità della visione, XXXVII Premio Vasto, Musei Civici di Palazzo d’Avalos, Vasto, a cura di Alessandro Riva.
Lucidamente, Fortezza del Mare Isola Palmaria, Porto Venere, La Spezia, a cura di G. Bonomi.
Dai tetti in giù la vita, Galleria En Plain Air, Pinerolo (TO), a cura di Tiziana Conti.
Anteprima, MIART, Milano, Galleria Spaziotemporaneo (Mi).
All’ombra di Bramante, Parco dell’Hotel Bramante, Todi (PG), a cura di Giorgio Bonomi.
2003
Anteprima, XIV Quadriennale Nazionale d’Arte, Palazzo Reale, Napoli.
Targetti Art Light Collection - White Sculpture, Chelsea Art Museum, New York, a cura di Amnon Barzel.
Arte italiana per il XXI secolo alla Farnesina, Ministero degli Affari Esteri, Roma, a cura di Lorenzo Canova.
Enter Invito al Futuro, Premio Casoli, Galleria Spazia, Bologna, a cura di Valerio Dehò.
Le forme della luce, Galleria Fioretto Arte Contemporanea, Padova.
2002
Targetti Art Light Collection - White Sculpture, Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Varsavia, a cura di Amnon Barzel.
Thai-Italian Space 2002 – Light Accords, National Gallery of Contemporary Art, Bangkok, a cura di Vittoria Biasi.
Le città in/visibili, XX Triennale di Milano, Palazzo della Triennale, Milano, a cura di Gianni Canova.
Premio Passaggi a Nord-Ovest 2001, Bernardini, Mazzoleni, Seren, Galleria Silvy Bassanese, Biella, a cura di Alberto Fiz.
3° Premio Internazionale di Scultura della Regione Piemonte, Galleria S.Filippo, Torino, a cura di P.G. Castagnoli, C. Cerritelli, M. Corgnati, successivamente presso:
Sotterranei della Pinacoteca, Volterra.
Guardando L’Europa, 7 italiani-7 polacchi, Palazzo Calabresi, Viterbo, a cura di N. Perilli, J.Janiak, successivamente presso:
Inner Spaces Multimedia, Poznan’.
Premio di Scultura “M.Domini”, (1° Premio), Villa Pomini, Castellanza (VA), a cura di R.Ferrario.
A prova di luce - Light-Proof, 5 italiani-5 inglesi, (Installazione in acqua alta), Terrazza Mare, Jesolo (VE).
Premio Giovani - Scultura 2002, Accademia di S.Luca, Roma.
2001
In-Pressione, Bovisa – Officine del gas AEM, Milano, a cura di Mimmo Di Marzio.
Accordi di Luce - Oriente d'Occidente, Museo Nazionale di Arte Orientale, Roma, a cura di Vittoria Biasi.
Glimmers, Inner Spaces Multimedia, Poznan', a cura della Galeria ON (Poznan').
Tecnologica, Fondazione Torre Colombera, Gorla Maggiore, a cura di Claudio Cerritelli, Massimo Bignardi.
Anteprima, MIART, Milano, Galleria Spaziotemporaneo (Mi).
Labirinto dell’immaginario, XXXIV Premio Vasto, Istituto Filippo Palizzi, Vasto, a cura di Claudio Cerritelli.
Horcynus Orca, Premio internazionale di scultura, Teatro Vittorio Emanuele, Messina, invito a cura di Martina Corgnati.
2000
Thai-Italian Art Space 2000 - The White Offerings, Art Gallery Silpakorn University, Bangkok, a cura di Vittoria Biasi.
Meraviglie della ragione e stupore dell'arte, Società Umanitaria - Open Space, Milano, a cura di Rachele Ferrario.
Lo scandalo dello spirito, Annuale d’Arte 2000, Castello cinquecentesco, L’Aquila.
1999
Rhythm… lights…. and arts…, Fortezza Da Basso, Firenze, a cura di Vittoria Biasi.
Translacje, Collection De La Fin Du Siecle, Piotrkòw Trybunalski (Poland), a cura della BWA Gallery.
Premio Marche, Biennale D’Arte Contemporanea, Mole Vanvitelliana, Ancona, a cura di L. Caramel, E. Crispolti, S. Cuppini, D. Guzzi, C. Spadoni.
2000 Anni Luce, Galleria Parmiggiani, Reggio Emilia, a cura di Cristiana Colli.
1998
Nuove Contaminazioni – Scultura, Galleria d’Arte Moderna, Udine, a cura di Enrico Crispolti.
Translacje, Collection De La Fin Du Siecle, Piotrkòw Trybunalski (Poland), a cura della BWA Gallery.
Installazioni, P.Barillà, C.Bernardini, L.Galizia, P.Radi, Tuscania (VT), a cura di Nadja Perilli.
Accordi di Luce, Galleria Mazzocchi, Parma, a cura di Vittoria Biasi.
1997
Arte a Roma, Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea, ex Mattatoio di Testaccio, Roma.
1996
Italia 1950-1990 Ultime Generazioni, XII Quadriennale Nazionale d’Arte di Roma, Palazzo delle Esposizioni, Roma.
1995
Almagno, Bernardini, Casagrande, Dompè, Galleria L’Isola, Roma.
Incantesimi, Museo Laboratorio delle Arti Contemporanee dell’Università degli Studi “Tuscia”, Bomarzo (VT), a cura di Simonetta Lux e Miriam Mirolla.
1994
Stati del Bianco, Chiesa di S. Francesco, Bolsena, a cura di Vittoria Biasi, in contemporanea a:
Studio Bocchi, Roma.
Badia Vecchia, Taormina.
Mir, Sala 1, Roma.
1993
Dia + Logos, Accademia di Romania, Roma, a cura di Giorgio Segato, successivamente presso:
Palazzo Correr, Istituto umanistico di cultura rumeno, Venezia;
Museo delle Collezioni, Bucarest.
Il futuro della memoria, Progetto Internazionale Civitella D’Agliano ’93 (VT) a cura di Paul Groot.
XXXIII Premio Suzzara, Galleria Civica d’Arte Contemporanea, Suzzara (MN), a cura di Enrico Crispolti, Antonello Negri.
Dialogo tra bidimensionalità e tridimensionalità, Galleria Mondo Arte, Roma.
1992
Giovani Artisti IV, Palazzo delle Esposizioni, Roma, sezione a cura di Domenico Guzzi.
C.Bernardini - A.Talotta, Centro L. Di Sarro, Roma, a cura di Ludovico Pratesi.
XXXII Premio Suzzara, Galleria Civica d’Arte Contemporanea, Suzzara (MN).
1991
A Capo, XXXI Mostra Nazionale di Pittura, Capo D’Orlando (ME), a cura di Vittorio Fagone.
1990
Natura, Progetto Internazionale, Civitella D’Agliano ’90 (VT), a cura di Massimo Carboni.
Oltre il Muro, (Premio Speciale) Palazzo di Brera, Milano, a cura di Giovanni Carandente.
OPERE VISIVE IN TEATRO
Du Vu Du Non-Vu, spettacolo di danza contemporanea e arte visiva, compagnia Altroteatro di Roma, coreografie di Lucia Latour, opere visive di P.Barillà, C.Bernardini, L.Galizia, P.Radi:
2001
Cagliari, Teatro Auditorium; Oporto, Balleteatro Auditorio; Salerno, Teatro Verdi.
1999
Roma, Teatro Vascello; Rimini, Teatro Novelli.
1998
Tuscania(Vt), Teatro Supercinema.
Nasce a Viterbo nel 1966. Vive e lavora a Milano.
Hanno scritto:
Manuela Annibali, Enrico Anselmi, Cecilia Antolini, Vito Apuleo, Vittoria Biasi, Massimo Bignardi, Ilaria Bignotti, Giorgio Bonomi, Chiara Canali, Lorenzo Canova, Luciano Caramel, Luigi Cavadini, Claudio Cerritelli, Renato Civello, Tiziana Conti, Martina Corgnati, Enrico Crispolti, Claudio Cucco, Stefania Dalla Torre, Carlotta Degl’Innocenti, Valerio Dehò, Elena De Luca, Rachele Ferrario, Alberto Fiz, Matteo Galbiati, Angiola Maria Gili, Elisabetta Giovagnoni, Sebastiano Grasso, Gino Guida, Domenico Guzzi, Gianleonardo Latini, Leda Lunghi, Simonetta Lux, Cristina Marinelli, Antonella Marino, Italo Marucci, Marco Meneguzzo, Miriam Mirolla, Susanna Misiano, Silvia Pegoraro, Roberta Perfetti, Achille Perilli, Nadja Perilli, Alexandra Petrova, Veronica Pirola, Ludovico Pratesi, Alessandro Riva, Otto Rothfuss, Enzo Santese, Giuseppe Selvaggi, Gabriele Simongini, Carla Testore, Enrica Torelli Landini, Alessandro Trabucco, Maria Luisa Trevisan, Renzo Vespignani, Alessio Verzenassi, Giorgio Verzotti, Eugenio Viola, Sabrina Zannier.